Голубой, розовый, африканский, кубизм, неоклассицизм, сюрреализм…
Пабло Пикассо (Pablo Picasso) – шедевральный великий и значимый художник Испании, основоположник кубизма, который оставил необъятное творческое наследие, да такое, что всех его работ не знает никто, даже его профессиональные биографы. Работоспособности Пикассо, можно только позавидовать: примерно, 80 тысяч работ, а по другим подсчетам (не включая рисунков, эскизов, керамических произведений и незавершенных работ) – около 20 000 экземпляров. По сей день на разных аукционах «всплывают» неизвестные, преимущественно небольшие работы Пикассо.
Его картины традиционно являются одними из самых дорогих на художественных аукционах. Напомним, что в 2008 году объем только официальных продаж его картин составил 262 млн. долларов. Так, картина Пабло Пикассо «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев», которую художник написал 8 марта 1932 года, продали 4 мая 2010 на аукционе «Кристис» в Нью-Йорке за 106 миллионов 482 тысячи 500 долларов США. Этот лот стал самым дорогим, из когда-либо проданных произведений искусства.
История жизни Пикассо – это великолепная сага, полная романтических переживаний, попыток и экспериментов, страхов и побед. Он познал тяготы бедности и соблазн богатства, выдержал испытание безызвестности и мировой славы, пережил ужасы войны и смог насладиться мирной жизнью в средиземноморской Франции. Прекрасные женщины вдохновляли его своей любовью, а он дарил им бессмертие на своих полотнах и в скульптурах. Пабло Пикассо – художник, который во многом предвосхитил будущее, на век вперед задал направление развития художественного мировоззрения.
Самые известные работы живописи Пикассо:
«Первое причастие» (La Primera Comunión) (1896)
Полотно написано в реалистической манере – это влияние учителей юного мастера. Поражает детальное изображение фактуры ткани, незначительные детали, которые точно примечает художник, его недетское восприятие этого мира.
Картина изображает сестру Пабло – Лолу, его отца и мать. Первое причастие – очень важный этап в жизни ребенка. К нему готовятся целый год. Весь трепет, волнение, важность происходящего выражается на лицах всех присутствующих.
Таинство момента, его серьезность и важность – все это присутствует в сюжете картины. Перед зрителем – чистая душа, которая разговаривает с Богом, преклонив колени перед алтарем.
«Любительница абсента» (La buveuse d’absinthe) (1901)
«Любительница абсента» – это одинокая посетительница кафе, пьющая напиток, который погружает человека в мир своеобразных фантазий и галлюцинаций, ведь на рубеже веков абсент стал своеобразным фетишем Парижа. Ему приписывались даже некоторые мистические и магические свойства, побуждающие к творчеству и новому восприятию мира.
«Арлекин и его подружка» (Arlequin et son compagnon) (1901)
На картине развивается типичный для раннего Пикассо сюжет парижского кафе, в которых собирались циркачи и актеры и где их нанимали на работу. Полотно является одним из тех первых примеров обращения художника к ключевой для него теме судьбы творческой личности. Трагический образ бродячих артистов становится символом того нелегкого бремени, которое принимает человек, посвящая себя искусству и встречая в результате волну непонимания и насмешек.
«Две сестры» (Les deux soeurs) (1902)
«Две сестры» – одно из первых полотен этого периода. В картине прослеживаются некие традиции средневекового искусства. Стилистика готики, ее строгость, пластика, одухотворенная выразительность форм присутствуют во многих картинах «голубого» периода. Пикассо ориентируется на Моралеси и Эль Греко – он созвучен с ними в искании психологической выразительности, острой экспрессии форм, символичности цвета, возвышенности образов.
«Жизнь» (La Vie) (1903)
На одном из предваряющих «Жизнь» рисунков (цв. каранд., 1902 год), а их было именно четыре, первоначально изображается сам Пикассо, он стоит между голой женщиной и холстом, покоившемся на мольберте. Этот рисунок также называется «Адам и Ева». Некоторые эскизы показывают еще и художника, вошедшего в студию – две версии подготовительных рисунков 1903 года (перо, черн.). Пикассо и здесь опять действующее лицо, в первой версии (быстрый набросок) обнаженные мужчина и женщина находятся в мастерской живописца, рядом – мольберт и едва намеченная фигура художника. Мужчина легким предостерегающим жестом одной руки как бы зовет художника прислушаться, указывая другой рукой на небо. Своеобразное memento mori в память об умершем Касагемасе. Экспериментируя, Пикассо наделял героя будущей картины сходством то с умершим другом, то с самим собой. Во второй версии рисунка – сходство еще более подчеркнуто. Фигура художника позже будет заменена на женщину в темном одеянии с ребенком.
«Трагедия» (La Tragédie) (1903)
«Трагедия» была написана в Барселоне в 1903 году. Пикассо убирает из композиции все лишнее и оставляет только то, что способствует раскрытию авторского замысла, передаче эмоционального состояния. В этой работе художник показывает сопереживание трагической жизни низших слоев общества. На картине изображены изнеможенные скорбью и страданием люди. Их движения замедлены, словно дают возможность вслушаться в себя. Они изгои, стоят на краю моря, олицетворяют потерю, тоску и одиночество. Синий цвет в этой картине создает своеобразное настроение.
«Семья комедиантов» (La famille de saltimbanques) (1905)
Картина «Семья комедиантов» 1905 года, символизирующая перемещение Пикассо от одной фазы творчества к следующему. Значительные размеры полотна свидетельствуют о немалых инвестициях художника и это объясняет, почему он многократно использовал материал. Пикассо изменял ее 4 раза – добавлял персонажей, варьировал состав, внося некоторые дополнения, в том числе плечи женщины и ее шляпка, цвет балетных тапочек ребенка, появились как призрачные очертания только на финальной стадии работы. Обычно Пикассо датировал свои работы, но редко их называл. «Семья комедиантов» первоначально являлась безымянной, а уже потом название было дано исходя из содержания.
«Девочка на шаре» (Acrobate a la boule) (1905)
«Девочка на шаре» – шедевр, основным посылом которого является противопоставление легкости, гибкости и устойчивости, массивности, констатация двух разных форм, непохожесть, «крайности» бытия. Это грация девочки-акробатки, и монолитность атлета, подвижность шара и устойчивость куба.
«Обнаженная, зеленые листья и бюст» (Nu au Plateau de Sculpteur) (1932)
«Обнаженная, зеленые листья и бюст» считается важнейшим произведением искусства Пикассо в период между двумя мировыми войнами и бесспорно является одной из лучших картин 1932 года. Она была завершена к 8 марта во время пребывания любовников в Буажелу под Парижем, а в июне того же года была выставлена в галерее Жоржа Пети. Эта картина очень детальна, при этом объединяет и согласовывает затронутые Пикассо живописные идеи и эмоциональные темы. «Обнаженная, зеленые листья и бюст» несомненно является наиболее сложной и таинственной в серии работ с Марией-Терезой.
Работа как будто отражает напряженный и деликатный человеческий треугольник, который он создал в своей личной жизни. Можно возвращаться вновь и вновь к этой увлекательной картине, чтобы обдумать ее скрытое значения и отношения между многими ее частями. Образ мифической Дафны характеризует ее спокойную личность и естественную красоту. Кожа натурщицы внеземного лавандового оттенка, а руки положены под голову, зеркально отражая растения над ней. Пикассо представляет Марию-Терезу в роли благотворной и лелеянной музы, как богиню секса и желания, что возлежит перед ним в глубоком восторженном сне; ее тело доступно и покорно к прикосновениям, в то время как внутренний поток мыслей остается неуловимым и таинственным.
Он наблюдает за своей возлюбленной и защищает ее, одновременно подвергая необходимым жертвенным обрядам живописца – стремлению обладать и преобразовывать ее в искусство. Второй элемент полотна – изваяние Марии-Терезы в виде каменистого греческого бюста на стенде. В отличие от гладкости тела разоблаченной любовницы, бюст окрашен толстым слоем краски, имитируя текстуру штукатурки, и выглядит в качестве трехмерной статуи. Третий элемент – растение филодендрона. Оно расположено на заднем плане. но создается впечатление, что оно произрастает из плодородного и созревшего тела Марии-Терезы. Эта спящая женщина словно расширяется и раскрывается, как растущий цветок, в пределах упругого кокона ее кожи, а листья филодендрона растут из ее груди, словно она богиня королевства растений.
Складки занавеса на заднем фоне ограждают спящую от света нового дня – солнца в левом верхнем углу. Кроме того, занавес может демонстрировать предосторожности Пикассо, к которым он прибегал, чтобы скрыть Марию-Терезу от Ольги и от любопытства большинства, за исключением нескольких ближайших друзей. Темно-синий тон создает ночное окружение, в котором бюст набирает волшебных качеств парящего яркого лунного шара, а Мария-Тереза возникает словно дремлющая лунная дева. Возле локтя своей любовницы Пикассо изобразил тарелку с яблоками – символ искушения и первородного греха. На картине есть фигура, которая не очевидна с первого взгляда, но вскоре обнаруживается в виде темного профиля, между бюстом и листьями растения – выражает присутствие самого Пикассо рядом с возлюбленной.
Он наблюдает и охраняет свою спутницу, подчеркивая важность таинства их незаконных отношений. Фантомное присутствие художника символизирует то, что он держит под контролем свой объект любви. Энигма этой тени привязана к другому аспекту картины – к двум вертикальным черным полосам, которые проходят в области шеи и талии Марии-Терезы, то скрываясь, то выходя на первый план. Правая лента бежит вверх по обнаженному телу и затем закручивается вокруг бюста, объединяя таким аллегорическим образом жизнь и искусство в единое целое. Каждая полоса следует по своему курсу – та что справа формирует большую английскую «P», поскольку она создает петлю вокруг каменного изваяния; левая полоса кружится у закинутых рук и головы Марии-Терезы, создавая вторую «P».
Следовательно, в картине инвертируются оба инициала художника. Пальцы рук обнаженной модели размещены под головой, в них можно проследить курсив буквы «M», а «W» виднеется в половой расселине. Таким образом Пикассо наносит свои инициалы на ее тело, изображает господство над своей пассией и провозглашает о ее влиянии на искусство художника. Это подтверждают слова, которые произнес ей Пикассо в момент их первого столкновения 1927 года: «Вдвоем мы совершим великие дела!».
«Дора Маар с кошкой» (Dora Maar au chat) (1941)
Портрет «Доры Маар с кошкой» – одним из самых необычных изображений возлюбленной Пикассо Доры Маар, которая в течение почти десяти лет была его музой, моделью и любовницей. Портрет написан в 1941 году в мастерской Пикассо на улице Великих Августинцев (Rue des Grands Augustins) в оккупированном немцами Париже, когда отношения между любовниками уже дали основательную трещину. Пикассо использовал этот исполненный в абстрактных формах портрет как средство выражения своих внутренних переживаний. Позже художник признался, что в период написания картины Дора стала для него «персонификацией войны».
Пикассо в своих многочисленных полотнах изображал Маар в основном враждебно – как меланхоличную и даже безумную женщину с искаженным лицом, неестественными глазами и дикими позами, – но портрет «Доры Маар с кошкой» считается наименее агрессивным ее представлением, в котором открывается самая загадочная и непростая любовница великого испанского гения.
«Автопортрет, 30 июня 1972» (Autoportrait, June 30, 1972) (1972)
Эту работу также именуют «Лицом к смерти». Действительно, если бы не огромные полыхающие глаза, то из-за кожи, плотно обтягивающей лысую голову, художник был бы похож на существо, которое вот-вот поглотит смерть. Над портретом художник работал несколько месяцев. Когда Пикассо впервые показал его своему другу Пьеру Дэксу, тот был потрясен и не смог вымолвить ни слова. Во время следующего приезда Дэкс (где-то через три месяца) заметил изменения – черты лица Пикассо еще больше помрачнели, в глазах проступили отблески встречи со смертью.
Безусловно автопортрет изображает того же темноглазого Пикассо, которого мы видели в бесчисленном множестве других работ и фотографий, но на этот раз имеются значительные отличия. Уже нет дерзкой самоуверенности и даже всех намеков на то, что мы – зрители – находимся лицом к лицу с величайшим гением. Осталось лишь представление очень уязвимого и попросту смертного человека, полностью осведомленного в краткости человеческой – но больше всего в своей – жизни. Но здесь не найдется даже намека на страх, раболепие или элементарное желание уклониться от истины – как всегда Пикассо точно знал кем он был и что противопоставлено ему.
Пабло Пикассо был одновременно и «Создателем», и «Сокрушителем», своим искусством он намеревался «уничтожить Бога», но этот портрет показывает, что все закончилось уничтожением его самого.